Modernisme américain

Le modernisme américain : Caractéristiques

Le modernisme est né en Europe et a rapidement atteint l'Amérique. Dans les arts visuels, le modernisme américain a pris de nombreuses formes. La peintre Georgia O'Keeffe s'est concentrée sur les paysages américains du Nouveau-Mexique, les paysages urbains et les fleurs, dépeignant ces sujets de manière surprenante. Max Weber a été l'un des principaux artistes à importer le cubisme de Paris aux États-Unis.

L'un des principaux moyens d'expression du modernisme dans l'architecture a été l'Art déco. L'Art déco est également un style européen qui est devenu très populaire aux États-Unis dans les années 1920 et 1930. Comme les arts visuels modernistes, l'Art déco s'inspirait également de la vie urbaine et de l'innovation industrielle, notamment de nouveaux matériaux comme l'acier et le béton armé.

Le modernisme a également prospéré dans le domaine de la littérature américaine. Les écrivains ont utilisé des formes nouvelles pour explorer des thèmes révolutionnaires, tels que le genre, et des homologues intemporels, tels que la condition humaine, sous de nouvelles perspectives. Parmi les figures célèbres de la littérature moderniste américaine, on peut citer Ezra Pound, T.S. Eliot et Gertrude Stein.

Fig. 1 - 30 Rockefeller Plaza, New York City par l'architecte Raymond Hood photographié par Samuel H. Gottscho en 1933.

Le modernisme américain : Contexte

Le modernisme est généralement lié aux années 1920, également connues sous le nom d'années folles. Ce terme fait référence à la prospérité économique et à l'optimisme général de cette décennie. À l'instar des créateurs modernistes, cette décennie a été marquée par une vie nocturne florissante, le jazz, le spectacle de masse du cinéma muet et le contournement de la prohibition de l'alcool (1920-1933) aux États-Unis. Des villes comme New York, Paris, Berlin, Los Angeles et Chicago sont devenues les principaux centres urbains de l'esthétique moderniste et du style de vie des années folles.

Définition du modernisme américain

L'art moderniste est apparu aux États-Unis au début du 20e siècle dans les arts visuels, l'architecture, la littérature, le cinéma et la musique. Les formes d'expression modernistes s'inspirent de la vie urbaine, du progrès technologique, du futurisme, de la production industrielle et de la jeunesse. Parfois considéré comme une rupture avec la tradition, le modernisme recherchait l'innovation et brisait les règles existantes pour créer de nouveaux modes d'expression.

Le modernisme américain : Chronologie

Le modernisme est né au début du 20e siècle et a prospéré jusque dans les années 1930. Ce mouvement a été importé d'Europe aux États-Unis. En Amérique, cependant, il a pris une vie propre en utilisant l'inspiration locale et en créant ses propres ramifications stylistiques.

Le modernisme américain : L'art

Le modernisme américain a pris de nombreuses formes différentes dans le domaine des arts visuels. La peintre Georgia O'Keeffe a choisi de représenter le monde naturel en s'inspirant des techniques photographiques, telles que le recadrage et les gros plans. L'artiste et poète Max Weber s'est inspiré des mouvements d'avant-garde européens, tels que le cubisme, pour créer ses œuvres. Des photographes comme Alfred Stieglitz et Man Ray ont expérimenté le médium en s'éloignant de la photographie de portrait du 19e siècle. En même temps, ce qui unissait ces différentes expressions créatives était leur recherche d'innovation et le fait de repousser les limites.

Le cubisme

Lecubisme est un mouvement artistique moderniste conséquent fondé à Paris par les artistes Pablo Picasso (1881-1973) et Georges Braque (1882-1963) en 1907. Le cubisme se concentre sur l'abstraction, fragmente et réassemble des objets physiques et les présente depuis des points de vue surprenants. Les deux artistes aimaient également incorporer des motifs supplémentaires dans leurs peintures, notamment des journaux, des verres et des instruments de musique. Ils privilégiaient également l'utilisation de collages . À l'époque de sa création, le cubisme était novateur et remettait en question la communauté artistique établie. Ce mouvement s'est essoufflé au début des années 1920, mais certains artistes ont continué à utiliser son esthétique par la suite.

Fig. 2 - Tableau de Max Weber Le violoncelliste (1917)

Le cubisme s'est rapidement répandu dans toute l'Europe et en Amérique du Nord. L'artiste et poète new-yorkais d'origine russe Max Weber (1881-1961) s'est rendu à Paris pour étudier la peinture et a été initié au cubisme. À son retour aux États-Unis, Weber crée plusieurs œuvres dans la lignée de ce mouvement, notamment Chinese Restaurant (1915) et The Cellist (1917). Les peintures cubistes de Weber présentaient la fragmentation cubiste symbolique et mettaient l'accent sur les couleurs et les textures. Weber a également écrit des poèmes cubistes (1914) et des essais tels que "La quatrième dimension d'un point de vue plastique." Les œuvres de Weber ont été exposées à la galerie 291, dirigée par le célèbre photographe et conservateur Alfred Stieglitz. Stieglitz a également exposé les œuvres d'un autre peintre cubiste américain, Andrew Dasburg (1887-1979). De telles expositions ont popularisé les mouvements artistiques modernistes aux États-Unis.

Georgia O'Keeffe

Georgia O'Keeffe (1886-1887) était une éminente peintre moderniste américaine. O'Keeffe a travaillé à New York, dans l'ouest du Texas et au Nouveau Mexique. Ses sujets de prédilection allaient des paysages urbains au monde naturel : paysages, fleurs et crânes d'animaux. Le style moderniste d'O'Keeffe est unique et reconnaissable. Par exemple, la photographie l'a influencée - ses peintures à grande échelle ressemblent souvent à des photographies recadrées.

Fig. 3 - Tableau de Georgia O'Keefe Musique bleue et verte (1921)

Lorsque Georgia O'Keeffe est devenue célèbre, elle s'est distinguée par son sexe dans une communauté artistique dominée par les hommes. Son mari, le photographe et conservateur Alfred Stieglitz , a utilisé la féminité d'O'Keeffe pour la promouvoir. Parfois, il photographiait la peintre de façon provocante dans ce but.

Photographie

Un autre domaine important des arts visuels inspiré par le modernisme est celui, en plein essor, de la photographie. Dans les années 1920, les photographes modernistes les plus connus des États-Unis étaient May Ray (Emmanuel Radnitzky, 1890-1976) et Alfred Stieglitz (1864-1946). De manière différente, les deux hommes se sont livrés à des expérimentations artistiques sur le plan technique et artistique.

Américain, Man Ray avait des liens étroits avec la scène artistique européenne et a passé beaucoup de temps à Paris. Il a été particulièrement actif au sein du surréalisme et de Dada. Le surréalisme utilisait le subconscient comme source d'inspiration, ce qui donnait à ses œuvres d'art une apparence onirique. Dada a mené des expériences en utilisant à la fois les arts visuels et le langage.

Man Ray a collaboré avec l'artiste français Dada Marcel Duchamp (1887-1968) et a créé des ready-mades à partir d'objets existants. Man Ray a également expérimenté la photographie en réalisant des rayographies sans appareil photo en exposant des objets sur du papier photographique. Parallèlement, Man Ray explore des formes plus conventionnelles de photographie dans le domaine de la mode et de la culture des célébrités et est publié dans Vogue.

Fig. 4 - Noire et Blanche par le photographe Man Ray en 1926, publiée à l'origine dans ^Vogue2

Alfred Stieglitz (1864-1946) était un photographe moderniste américain incontournable, un éditeur, un conservateur d'art, ainsi que le mari et le promoteur de la peintre Georgia O'Keeffe. Au cours des deux premières décennies du 20e siècle, Stieglitz a publié un journal de photographie pionnier, Camera Work, qui a façonné l'acceptation de la photographie en tant que forme d'art. Il a également créé la Gallery 291 à New York, où il a exposé plusieurs artistes modernistes américains et européens, notamment Pablo Picasso, Max Weber et Henri Matisse (1869-1954).

Le modernisme américain : Architecture

En architecture, le style Art déco a exprimé les idéaux modernistes. Au cours des deux décennies qui se sont écoulées entre la Première et la Seconde Guerre mondiale, les architectes américains ont construit les plus hauts bâtiments du monde. Ces gratte-ciel en sont venus à incarner le mode de vie urbain et l'esthétique industrielle. Les bâtiments Art déco utilisaient des matériaux modernes, tels que l'acier, le fer, le béton armé, et des formes géométriques fortes. Comme l'art moderniste, l'Art déco est arrivé d'Europe en Amérique et est devenu un style international.

Il existe des dizaines de bâtiments Art déco célèbres à travers les États-Unis, notamment dans la ville de New York. Les exemples les plus emblématiques sont l'Empire State Building, le Rockefeller Center et le Chrysler Building . Entre sa construction en 1931 et 1970, l'Empire State Building était le plus haut gratte-ciel du monde. Par la suite, beaucoup de ces bâtiments sont devenus des repères historiques.

Fig. 5 - Exposition universelle de Chicago, affiche A Century of Progress représentant des gratte-ciel Art déco (1933)

L'Art déco américain a développé plusieurs variantes stylistiques, notamment Greco Deco, Streamline et PWA Moderne. Greco Deco était principalement utilisé dans l'architecture gouvernementale. Streamline était un rappel sombre de la Grande Dépression (1929-1939). Enfin, PWA Moderne faisait référence aux constructions de la Public Works Administration entreprises dans le cadre des initiatives du New Deal pour sortir des difficultés économiques, comme le barrage Hoover.

Au-delà de l'Art déco, un certain nombre d'architectes américains ont travaillé dans leurs propres styles inspirés du modernisme. Par exemple, Frank Lloyd Wright(1867-1959) s'est concentré sur l'architecture organique, qui s'intègre harmonieusement à son environnement. Il était prolifique ; Lloyd Wright a conçu plus de 1 000 bâtiments. Louis Henry Sullivan (1856-1924) a donné la priorité à la fonctionnalité de la conception architecturale et a incorporé des matériaux modernes. Sullivan a servi de mentor à Wright.

Le modernisme américain : Littérature

Le modernisme était un mouvement important de la littérature américaine entre la Première et la Seconde Guerre mondiale. Les figures littéraires modernistes ont exploré de nouveaux sujets, de nouvelles formes littéraires et de nouvelles perspectives.

Certains écrivains se sont attachés à situer leur œuvre aux États-Unis en se concentrant sur l'expérience américaine. Il s'agit notamment de Marianne Moore (1887-1972), William Carlos Williams (1883-1963) et Wallace Stevens (1879-1955). D'autres, comme Gertrude Stein (1874-1946), Ezra Pound (1885-1972) et T.S. Eliot (1888-1965), se sont installés en Europe. En ce sens, la pollinisation interculturelle entre l'Europe et les États-Unis a imité le domaine des arts visuels.

Fig. 6 - Portrait de Gertrude Stein par Pablo Picasso (1906)

Par exemple, la romancière américaine Gertrude Stein s'est installée à Paris au début des années 1900. Elle y a rencontré de nombreux créateurs importants, comme l'artiste Pablo Picasso, qui a peint son portrait. À l'instar des artistes modernistes qu'elle a côtoyés, Gertrude Stein s'est lancée dans l'expérimentation littéraire. Au lieu d'utiliser les formes littéraires linéaires du 19e siècle, l'auteur a opté pour une littérature basée sur le processus. Elle a écrit des poèmes et des fictions, parfois dépourvus d'intrigue. Elle a notamment écrit Trois vies et L'autobiographie d' Alice B. Toklas.

Le modernisme américain : Les suites

La Grande Dépression des années 1930 a mis fin à l'optimisme des années folles. Cependant, les sensibilités modernistes ont survécu et se sont transformées dans différents domaines créatifs. Le Museum of Modern Art de New York a continué à exposer des artistes modernistes clés d'Europe et des États-Unis. Par exemple, son exposition de 1936-1937 a présenté d'importants mouvements artistiques, Dada et le surréalisme.